Arte 'Apreciação', estilo bilionário

As belas-artes nunca foram tão lucrativas financeiramente – ou menos centrais para a cultura dos EUA, escreve Sam Pizzigati.

By Sam Pizzigati 
Inequality.org

Vhummm. Velázquez. Kahlo. Esses nomes significam alguma coisa para você? Eles significam muito para os super-ricos do mundo. Para os extraordinariamente ricos, as obras de Vermeer, Velázquez e Kahlo – e de muitos outros grandes pintores que moldaram a forma como visualizamos o mundo – tornaram-se muito mais do que referências culturais dignas de admiração. Para estes ricos e para os seus gestores financeiros, o património artístico da humanidade tornou-se uma “classe de activos”.

Uma classe de ativos extremamente lucrativa, como nos lembraram mais uma vez os leilões de arte de alta qualidade deste mês. No início deste mês, 35 obras-primas da coleção do promotor imobiliário Harry Macklowe e de sua ex-esposa Linda foram colocadas à venda na Sotheby's. Especialistas já haviam avaliado as obras em cerca de US$ 400 milhões. Os licitantes tinham outra coisa em mente. Seu entusiasmo saltou o custo final da arte leiloada foi de US$ 676.1 milhões.

Apenas quatro dias antes, num leilão da Christie's, uma colecção de arte impressionista que o falecido petroleiro texano Edwin Cox tinha acumulado foi vendida por 332 milhões de dólares, bem acima dos 268 milhões de dólares previstos pelos especialistas em arte.

Na última terça-feira, outra surpresa: um autorretrato da grande artista mexicana Frida Kahlo conjunto “uma referência de leilão para as obras de arte mais caras de um artista latino-americano.” O eventual preço de venda em leilão: US$ 34.9 milhões. O recorde anterior? Esses foram os meros US$ 9.76 milhões gastos três anos atrás em uma pintura de Diego Rivera, ex-namorado significativo de Kahlo.

Este tipo de etiqueta de preço lançou o mundo das belas-artes para um espaço visual totalmente estranho às vidas que a grande maioria de nós leva. Vivemos nossa existência diária envoltos pelo kitsch comercial. Os super-ricos vivem em meio ao esplendor visual – e conseguem se retratar, no processo, como benfeitores altruístas das belas-artes, guardiões das melhores realizações artísticas do nosso mundo.

Poucos observadores convencionais hoje podem imaginar um mundo da arte sem os extremamente ricos. Os ricos dominam os conselhos de administração dos grandes museus do mundo. Eles até abrem ocasionalmente seus próprios museus. Sem o seu patrocínio, diz a história, a nossa herança artística simplesmente desapareceria.

Mas esta narrativa dos mega-ricos-como-nossa-salvação-cultural tem tudo de cabeça para baixo. Os ricos do mundo não estão a salvar o futuro da arte. Estão a sufocá-lo, diminuindo tanto o público potencial das belas-artes como o conjunto de criadores de belas-artes.

Como poderia ser? Comecemos com uma observação simples e indiscutível: no passado, grandes artistas vieram regularmente de origens humildes. Qualquer sociedade que realmente valorizasse as belas-artes estaria trabalhando diligentemente para identificar e nutrir o talento artístico, onde quer que esse talento esteja.

Educação Artística em Declínio

Nos Estados Unidos hoje, estamos fazendo muito pouco disso. A educação artística nas escolas americanas tem vindo a desaparecer num declínio constante que já se estende por mais de três décadas. conclui um relatório da comissão de fita azul recém-lançado da Academia Americana de Artes e Ciências.

Esse declínio atingiu mais duramente as crianças em maior risco do país. As oportunidades de educação artística para “crianças cujos pais têm menos do que o ensino secundário”, observa a Comissão de Artes da Academia Americana, caíram 77% desde 1982.

Na cidade de Nova Iorque, os gastos com materiais e equipamentos artísticos caíram 84% entre 2006 e 2013, e mais de 40% das escolas nas áreas de baixa renda da cidade, no final desse período, não tinham uma única escola certificada pelo estado. professor de arte neles.

Em 2017, o pesquisador educacional Ryan Shaw fez um mergulho profundo na educação artística nas escolas de Lansing, Michigan. Ele encontrou escolas primárias que “ofereciam uma única aula de música e arte uma vez a cada oito semanas”.

Em Lansing, salienta Shaw, os défices orçamentais levaram a fortes cortes de pessoal. Tais cortes tornaram-se um elemento algo crónico na cena educacional da América, desde que a Revolução Reagan conferiu um estatuto de política pública privilegiado à redução de impostos sobre os ricos da América.

Alguns dos ricos, por sua vez, investiram partes das suas consideráveis ​​poupanças fiscais num esforço “filantrópico” para “escolas charter e outras abordagens baseadas no mercado para a melhoria das escolas”. Esses movimentos, notas Sarah Lahm, do projeto Nossas Escolas do Independent Media Institute, só serviram para comprimir ainda mais os orçamentos das escolas públicas locais. E a educação artística acabou entre os maiores perdedores.

Cofres de armazenamento

Mas não são todos esses museus que os ricos doam para levar arte ao povo? Na verdade, hoje em dia, os ricos não levam arte ao povo. Estão a tirar arte das pessoas e a depositá-la em cofres de armazenamento em zonas globais de “porto franco” que os ricos do mundo usam para evitar impostos sobre vendas nas suas compras multimilionárias de obras de arte.

“Nada ilustra mais a abordagem da arte como ouro aos hábitos de colecionar contemporâneos do que a proliferação de armazéns”, notas a New York Times análise, “onde as obras-primas são cada vez mais guardadas por proprietários mais interessados ​​em vê-las apreciadas do que penduradas nas paredes”.

Em uma zona de “porto franco” fora do centro de Genebra, na Suíça, “um complexo de armazéns cinza e baunilha cercados por trilhos de trem, estradas e uma cerca de arame farpado” chegou a abrigar cerca de 1.2 milhão de peças de arte, de acordo com um governo suíço. auditoria. vezes os repórteres Graham Bowley e Doreen Carvajal descrito esses armazéns sombrios como “o tipo de lugar onde a beleza vai morrer”.

Mas os ricos não compraram as obras de arte nesses armazéns pela sua “beleza”. Eles os compraram como investimentos com muitas vantagens de “apreciação”. E as obras de arte podem “apreciar” muito bem por trás das paredes resistentes ao fogo e dos ambientes climatizados dos armazéns de belas-artes do mundo.

E quanto aos museus de arte onde as belas artes, pelo menos em teoria, permanecem acessíveis tanto a ricos como a pobres? Essa acessibilidade diminuiu enormemente à medida que os museus nos Estados Unidos aprofundaram as suas políticas de entrada gratuita de longa data. Em 2018, Art News calcula, apenas um terço dos 240 principais museus de arte do país oferecia acesso gratuito.

Entre os cobradores de taxas de admissão: o mundialmente famoso Metropolitan Museum of Art da cidade de Nova York. Em anos passados, o artista Charles Petersen notou, o Met e outras instituições que definiram Nova Iorque “esperavam liderar o mundo” não apenas na ambição dos seus programas e participações, mas no quanto contribuíram para a “cultura democrática” da sua cidade. Ainda em 1970, nenhum dos museus de Nova York em instalações de propriedade da cidade cobrava de alguém pela entrada. O Met agora cobra até US$ 25 pela entrada.

Para os bilionários administradores do Metropolitan Museum of Art como David Koch, acrescenta Petersen, a decisão do Met de 2018 que tornou as taxas de admissão obrigatórias para muitos visitantes representou um passo necessário na sua “longa marcha” para privatizar os bens públicos. No momento da mudança de admissão, Koch e seus colegas curadores do Met tinham uma patrimônio líquido combinado mais de $ 500 bilhões.

Sam Pizzigati coedita Inequality.org. Seus últimos livros incluem A defesa de um salário máximo e Os ricos nem sempre ganham: o triunfo esquecido sobre a plutocracia que criou a classe média americana, 1900-1970. Siga-o em @Too_Much_Online.

Este artigo é de Inequality.org.

As opiniões expressas são exclusivamente do autor e podem ou não refletir as de Notícias do Consórcio.